Aproximación a los diversos tipos de flautas utilizados en la cultura japonesa y a su contexto .
Periodos históricos en Japón
Conviene tener una visión general de los periodos históricos en Japón para contextualizar las diferentes manifestaciones culturales en cuanto a su origen, desarrollo y decadencia. Las fechas son aproximadas ya que no existe consenso entre los historiadores, así que en el artículo podrán aparecer fechas algo diferentes a las del cuadro al referirnos a los distintos periodos.
En este sentido, en la música japonesa perviven formas musicales autóctonas junto a estilos importados del continente, especialmente China, Corea e incluso la India. Estas formas se han ido asimilando a lo largo de la historia en el patrimonio musical del país. Como señala Tamba (Tamba, 1997)
La música determinada se introduce en Japón hacia el siglo VII a través de la música continental asiática. En el siglo XIII, comienzo del periodo de Kamakura, se vuelve a la
música indeterminada debido a los cambios políticos. La clase militar (shôgun) opuesta a las clases aristocráticas, retorna a estilos musicales autóctonos. Esta situación llegará hasta el siglo XIX, momento en el que ocurre la restauración Meijí y marcará el final del periodo Edo.
A partir de la era Meijí (1868) la música occidental se extiende por el país. La causa de esta aculturación musical se debe al carácter reformista de este período, que pretende modernizar la jerarquizada sociedad japonesa. La música tradicional reflejaba fielmente esta rigidez estamental, donde cada grupo social poseía sus propias formas musicales, sus propios instrumentos, técnicas de ejecución, etc. Por ello el gobierno Meijí introduce la música occidental en la enseñanza primaria y secundaria.
Los músicos de gagaku se adaptaron a esta situación con facilidad debido, entre otras cosas, al mismo carácter determinado que poseían tanto la nueva música como la del gagaku. Los músicos de nô tuvieron más dificultades debido al carácter indeterminado de su música. No sería, en fin, hasta mediados del siglo XX que se conjugasen con éxito los dos universos musicales, el japonés y el occidental. (Tamba, 39)
Otra característica reseñable de la música japonesa es su carácter de música concreta (musique concrète). Pierre Schaeffer acuña este término en la última mitad de la década de 1940. Consiste en la grabación de sonidos procedentes de diversas fuentes y manipularlos para crear composiciones donde el sonido en sí mismo y no la fuente de sonido, es el protagonista. (ears2, s.f.).
La experimentación con los sonidos, lo puramente sensorial, sin las estructuras lógicas y más rígidas de la música occidental, obedecen a este carácter de música concreta y se manifiesta en las características organológicas de sus instrumentos, así como en las técnicas de ejecución.
La interpretación de sonidos fluctuantes, glissandos, vibratos amplios… obliga a prescindir en los aerófonos de mecanismos complejos que reduzcan esa flexibilidad. Los tubos estarán desprovistos de sistemas de llaves y mantendrán los orificios digitales sencillos. Esta simplicidad aparente no debe hacernos pensar que estamos ante unas técnicas de construcción(2) menos elaboradas que las occidentales, sino que estamos ante unos artefactos sonoros que responden perfectamente a las características de la música que interpretan.
Los distintos géneros musicales coexisten sin interferencias: gagaku (s.IX), Nô (s. XIV), Shakuhachi (s. XVII). (Tamba, 23)
(1) Esta característica será la que presenta también, mayoritariamente, la música occidental.
(2) Revestimientos elaborados de las flautas, en las que la cara interna del bambú es la que está por fuera del tubo. Embocaduras muy trabajadas como la del shakuhachi. Perforaciones singulares de los tubos como en la nohkan. Órganos de boca complejos como el shô…
La música gagaku actual proviene del tipo de música cortesana establecida en el período Heian (R. M. M., 2015), aproximadamente durante la primera mitad del siglo IX, que supuso una modificación del Gagaku del período Nara (s. VII). En esa época se empleaban en torno a treinta instrumentos musicales diferentes con los que se interpretaban piezas originales de Corea, China, India y Japón. En el siglo IX las distintas formas procedentes del norte de Asia, China, India y sureste asiático, así como la música japonesa autóctona, fueron organizadas en dos categorías principales: (Gorlinski, 2012)
- Tôgaku, denominada música del lado izquierdo que incluía la música china de la dinastía Tang (618-907) y músicas de origen indio.
- Komagaku, o música del lado derecho, que incluía la música de Corea y otras formas.
Otras fuentes establecen tres categorías según el origen y el estilo: (Arbiterrecords.org, s.f.)
- Repertorios vocales y de danza indígenas, representados principalmente en las ceremonias shinto (sintoístas) acompañados de un gran número de instrumentos japoneses y foráneos.
- Música instrumental y danzas no autóctonas: tôgaku, música de origen chino y komagaku, música de origen coreano, utilizadas en ceremonias budistas y sintoístas con diversos instrumentos traídos del continente asiático.
- Poesía “vocalizada” japonesa o china, saibara y rôei, establecida en Japón en el siglo IX. Este tipo de espectáculo lo disfrutaba principalmente la alta aristocracia en ceremonias informales
La segunda categoría es la más representada. Consiste en una gran orquesta que en ocasiones acompaña a la danza. Como ya hemos visto, tôgaku se considera la música del lado izquierdo y komagaku la música del lado derecho, interpretándose alternativamente en las ceremonias. El conjunto tôgaku consiste en shô, hichiriki, ryûteki, biwa (laúd con forma de pera), koto (cítara), taiko (tambor grande), kakko (tambor cilíndrico con dos parches) y shôko (gong de bronce).
El conjunto komagaku utiliza hichiriki, komabue, taiko, shôko y san no tsuzumi (tambor con forma de reloj de arena).
Entre los instrumentos utilizados en esa época se citan laúdes, arpa angular, cítaras, flauta vertical shakuhachi, flauta de Pan Sho(3), tambores y gongs.
La música del gagaku se puede clasificar en cuatro categorías:
- Música instrumental, kangen (significa vientos y cuerdas)
- Música para danza, bugaku (significa música de danza)
- Canciones cortesanas
- Música ritual para las ceremonias shintô
La música instrumental, kangen, utiliza los siguientes instrumentos: (Tamba, 1997, págs. 85-97)
Los tubos del shô no están ordenados según la altura de las notas, sino que están organizados de la mejor manera para constituir las diferentes armonías. Posee una función esencialmente armónica.
Los sonidos obtenidos en los tubos ordenados de derecha a izquierda son los siguientes:
Ryûteki (flauta dragón), también llamada ôteki (flauta lateral). Se trata de una flauta travesera de la que hablaremos más adelante.
Hichiriki, pequeño oboe de sección cilíndrica. Tiene nueve orificios digitales, siete en la cara anterior y dos en la posterior para los pulgares. Mide en torno a los 18 cm. Se utiliza en todas las formas de gagaku donde es el encargado de llevar la melodía principal. Produce la siguiente escala: sol, la, si, do, do#, re, mi, fa#, sol, la. Posee una lengüeta doble de gran tamaño en proporción al cuerpo del instrumento y permite, modificando la embocadura, efectuar variaciones de hasta medio tono en la afinación de cada nota.
"Algunos autores citan a la shō japonesa como una flauta de Pan. El término denomina en realidad a un “órgano de boca”, similar al sheng (…) Sin embargo, existen referencias a una flauta de Pan con ese nombre (en el repositorio Shōshōin de Nara) usada durante el Periodo Nara tardío (710-794 d.C.), y desaparecida en el siglo x d.C. Poseía 18 tubos doblemente biselados y afinados con bloques de papel (Hayashi 1975)." (Civallero, s.f.)
El minshingaku apenas sobrevive hoy en día, y los instrumentos utilizados para interpretarlo apenas se utilizan en otros géneros tradicionales de la música japonesa. El laúd gekkin, la versión japonesa del yueqin chino, era utilizado ocasionalmente por las geishas, pero no podía ser utilizado en la música japonesa, que está basada en la escala hirajoshi(4), una escala que el gekkin no podría producir debido a la disposición de sus trastes. También se utiliza la flauta minteki o seiteki.
La música del mishingaku puede escucharse hoy en día ocasionalmente a los escasos conjuntos que todavía lo interpretan, así como durante ciertos eventos relacionados con el festival Nagasaki Kunchi. (Facebook. AsianCultureMemes, s.f.)
SANGAKU: Género de música popular de origen chino asociada en su origen a espectáculos de entretenimiento y saltimbanquis que fue incorporada al repertorio del tôgaku.
TÔGAKU: Música importada de China desde la dinastía Sui (598-618) y los primeros tiempos de la dinastía Tang (618-906). Fue el estilo musical dominante del gagaku temprano y fue conocido como Tang Music (tôgaku)
NAGAUTA: Significa canción larga, en japonés. Es un acompañamiento musical del teatro kabuki. Surge hacia la mitad del siglo XVII. La instrumentación estándar de este estilo, aparte de los cantantes, incluye al shamisen, diferentes tipos de tambores y flautas, en concreto la nohkan, empleada también en el nogaku (Teatro nô) y la shinobue o take-bue, procedente esta última, de la tradición folklórica.
Según la tradición fue fundado por una miko (sacerdotisa de santuario sintoísta), Izumo no Okumi, que se encargó de enseñar a mujeres marginadas a cantar, bailar y actuar para que, en 1603, comenzaran a actuar en algunos cauces secos de Kioto. Estas representaciones trataban temas de la vida diaria y se hicieron tan populares que pronto fueron imitadas por otras compañías de teatro, llegando a ser una de las formas de entretenimiento más populares en los barrios rojos de Tokio y de Kioto.
En esta primera etapa todos los actores eran mujeres, incluidos los papeles masculinos. Estas mujeres a menudo eran requeridas como prostitutas después de los espectáculos.
En 1629 fue prohibido por el shogun, lo que hizo que las actrices fueran sustituidas por muchachos, y más tarde por hombres adultos, incluso para los papeles femeninos.
A partir de aquí comenzó a formarse el kabuki que ha llegado hasta hoy, y la danza fue cobrando importancia frente a la actuación teatral. (Youinjapan.net, s.f.)
NOGAKU / NOH:
El teatro noh, abreviatura de nogaku, es una de las formas de teatro más antiguas de Japón, surgido hacia el siglo XIV, y dirigido principalmente a un público educado, no era una forma de teatro popular.
Las tramas del teatro noh se basan en el mundo de lo sobrenatural y las protagonizan dioses, espíritus, fantasmas o personajes históricos o legendarios.
La música es un componente crucial en el teatro noh, ya que es generalmente cantado. La música que acompaña a la acción es interpretada por cuatro músicos, denominados hayashi, que utilizan instrumentos de viento y percusión: fue (flauta -genérico-), otsuzumi y kotsuzumi tambores con forma de reloj de arena) y shime-daiko (tambor).
Durante la representación los músicos se sitúan en el fondo del escenario y son visibles para los espectadores. (Youinjapan.net, s.f.)
(3) Esta flauta proviene del tesoro Shôsôin y se utilizaba en la música togaku. No tiene nada que ver con el órgano de boca del mismo nombre.
(4) Escala hemitónica pentatónica (intervalos: Tónica, 2ªM, 3ªm, 5ªJ, 6ªm. Ej. Re/D, Mi/E, Fa/F, La/A, Sib/Bb).
- Flautas verticales: Clasificación Hornbostel- Sachs: 421.11
- Flautas transversales: Clasificación Hornbostel- Sachs: 421.12
El término Fue se aplica de forma genérica a todos los tipos de flautas en Japón, y de ahí deriva el nombre de algunas de las flautas que estudiaremos: shinobue, komabue y kagurabue. (Fue = bue)
Las flautas verticales presentes en la cultura nipona se incluyen en el grupo de aerófonos de bisel, sin canal de aire y con una escotadura que forma la embocadura (421.111.12)
- Shakuhachi
- Hochikku
- Tenpuku/Amabuki
- Hitoyogiri
- Miyogiri
Las flautas transversales están representadas por seis tipos de instrumento (421.121.12)
Música sintoísta (Kagura-den: Danza teatral sintoísta) / Nogaku (Noh) (Hayashi) / Kabuki (Nagauta) / Música Tradicional
- Shinobue
- Ohayashi
- Uta
Gagaku
- Ryuteki
- Komabue
- Kagurabue
Noh, Kabuki
- Nokhan
Minshingaku
El nombre deriva de la longitud de esta flauta, y aunque como en otros instrumentos hay variedad de longitudes(6), la que podemos considerar estándar es la que corresponde a una longitud de 1 shaku (pie) y 8 (hachi) sun(7) (1.8 pies = 54,5 cm aprox.) que se pronuncia [isshaku hachi sun]. Su extensión alcanza las dos octavas y media con un timbre rico en armónicos.
Como ocurre con otros instrumentos tradicionales(8), hay referencias al tiempo que lleva su aprendizaje y dominio. En este caso se dice que lleva tres años adquirir la embocadura correcta y ocho obtener buenos sonidos.
En la ejecución del instrumento es determinante la inclinación de la embocadura (utaguchi) respecto a los labios del ejecutante. La afinación “tipo” para el shakuhachi 1.8 corresponde a Re4 (registro tenor de la flauta de pico). Posee cuatro orificios digitales en la cara anterior y uno para el pulgar izquierdo en la posterior.
Parece ser que deriva de flautas procedentes del continente (9), en concreto de China y que se integró en la música de Corte (gagaku) donde recibirá el nombre de gagaku shakuhachi, y contaba con seis agujeros, cinco anteriores y uno posterior.
Durante el periodo Heian desaparecerá y posteriormente, en el periodo Muromachi (1338-1573), llegará desde China otra flauta vertical, la xiao, que daría origen al hitoyogiri, que al parecer medía 1 shaku punto 1 (1.1= 33,3 cm). A comienzos del período Edo, siglo XVI (1603-1868), fue adoptado por los monjes komuso (10) monjes mendicantes de la secta Fuke, una de las sectas zen, para su actividad meditativa conocida como suizen (meditación sonora). Estos monjes buscaban la emisión de sonidos “sucios”, ásperos. El shakuhachi pasó así a considerarse un instrumento de práctica budista hooki, en lugar de un instrumento musical propiamente dicho, gakki. Se les atribuye el desarrollo del instrumento tal y como lo conocemos hoy en día.
En 1871 esta secta fue proscrita y el shakuhachi recuperó su estatus de instrumento musical propiamente dicho.
La afinación del shakuhachi se basa en una escala pentatónica, aunque a partir de ella el intérprete puede producir mediante unas refinadas técnicas de embocadura, meri y kari, una inusual variedad de sonidos, pudiendo modificar sensiblemente la altura de los mismos.
Hay dos escuelas principales cuyos instrumentos presentan variantes en la escotadura, según la forma de la inserción de la pieza de hueso, cuerno, marfil…, que se denominan Kinko y Tozan. (izquierda y derecha respectivamente).
- Seisunkan fabricado con la medida “correcta”, la más apegada a la tradición, que es ligeramente más agudo respecto a la afinación moderna.
- Seiritsukan afinado según el diapasón occidental.
Otra clasificación del shakuhachi basada en la forma de preparación del interior del tubo:
- Jinashi. Son los primeros tipos de Shakuhachi. El interior del tubo mantiene la superficie de bambú al natural, a veces presenta ligera capa de laca y puede presentar protuberancias, nudos para la afinación / balance del sonido. Estos instrumentos son raros debido a la dificultad de encontrar bamboo madake con las dimensiones adecuadas y debido también a la dificultad de su fabricación. Normalmente se elabora en una sola pieza de bambú, nobe, lo que determina la dificultad de conseguir un tubo de bambú adecuado para una afinación perfecta en todas las notas de su escala.
- Jiari. Sus paredes internas están perfiladas con pasta para eliminar irregularidades y recubiertas de laca. Aunque se utilizaba una pasta que se llamaba Ji, actualmente se utilizan diversos métodos de modelado del interior del tubo. La ventaja de este tipo de acabado es que el perfil interior del tubo se consigue mediante el uso de pasta, colas y mandriles. La longitud del tubo se ajusta mediante una junta central y, en ocasiones, juntas adicionales ocultas bajo ataduras incrustadas en el tubo. Se atribuye el revestimiento del interior del tubo del shakuhachi con pasta ji al maestro Araki Chikuo (1823-1908)
- Hocchikku. Esta variedad fue creada por el maestro Watazumi (1910-1992). Se trata de un jinashi moderno, de mayor tamaño y de afinación más grave.
Tipos de shakuhachi según su tamaño y afinación (Kaypacha.com.ar, s.f.)
En un foro sobre shakuhachi (Mujitsu and Tairaku's Shakuhachi BBQ, s.f.) una participante, Kiku Day, afirma que actualmente se sigue utilizando en la (Kiku Day, s.f.) prefectura de Kagoshima, en la isla de Kyushu. Allí se localiza un grupo de aficionados llamado Tenpuku Dōkōkai.
Refiere la siguiente cita (Alison Tokita y David Hughes)
“La membrana inferior está perforada por un pequeño orificio de aproximadamente 3 mm. El método de medida es único. Las distancias entre nodos se calculan en referencia a la anchura de los dedos y puño del artesano. La posición de los agujeros digitales está determinada por la circunferencia del instrumento medida con una cuerda. Esto conducirá a que no haya uniformidad en la afinación de los instrumentos.”
Afirma Kiku Day que el tenpuku presenta 3 nudos y 5 agujeros digitales como el miyogiri, ancestro del shakuhachi.
En el citado libro “The Ashgate Research Companion to Japanese Music” (Alison Tokita y David Hughes) se dice acerca de la denominación que recibe el shakuhachi:
The sect’s abolition in 1871 led to major changes in the instrument, its musical style and the spiritual attitude of performers.(…)”
“El término fuke shakuhachi es una denominación moderna que los estudiosos emplean para diferenciar el instrumento actual del hitoyogiriy y del gagaku shakuhachi.
Las fuentes del periodo Edo utilizan generalmente el término komusō shakuhachi para referirse al al instrumento utilizado por los monjes komusō (sacerdotes de la nada), mitad monjes, mitad guerreros miembros de la secta Fuke (Fuk-shū) de Zen.”
“Los komosō tocaban tanto el hitoyogiri como un tipo de shakuhachi llamado miyogiri del que se cree que es una forma temprana de komusō shakuhachi. El Miyogiri era de bambú, tenía tres nudos (miyo) y era un tubo recto, a diferencia del komusō shakuhachi que incorporaba la sección curvada de la raíz del bambú (…) Luego, los komosō pasaron a ser conocidos como komusō y a mediados del siglo XVII, fue establecida la secta Fuke (…)”
(5) Contados desde la raíz. Este es el material tradicional, hoy en día también se fabrican de madera o plástico.
(6) La longitud de estas flautas oscila usualmente entre 1 shaku 1 sun hasta 2 shaku 4 sun.
(7) 1 shaku= 30,3 cm y cada shaku se subdivide en 10 fracciones denominadas sun= 3,03 cm.
(8) Respecto a la gaita irlandesa se dice que lleva 21 años dominarla. 7 años aprendiendo, 7 practicando y 7 tocando. “It takes 21 years to master the Uillean pipes – 7 years learning, 7 years practising, and 7 years playing”.
(9) Sus orígenes datan del período Nara (710-794) o Tang (s. VII)
(10) Respecto al instrumento de estos monjes, hay, por un lado, referencias a que la flauta que usaban era el hitoyogiri y que desapareció con ellos, siendo sustituida por el shakuhachi, y por otro lado hay referencias a que fueron ellos los que desarrollaron el instrumento hasta la forma que conocemos hoy en día.
Aparte de su uso en los Festivales japoneses, se utiliza como música de fondo en el teatro kabuki, y acompañando la voz y al samisen en la música nagauta. En la música taiko también se deja oír con su timbre natural y emotivo.
El nombre de shinobue parte de dos palabras: “shino” que hace referencia a un tipo de bambú, shinodake, que es o ha sido el material habitual de la flauta. “Bue” es una forma de “fue” que es el término genérico para flauta. Podemos referirnos a ella indiferentemente como “shino” o “fue”.
Actualmente coexisten dos tipos de esta flauta, “ohayashi o hayashi” y “uta”.
Tipo ohayashi: Es el modelo tradicional, utilizado habitualmente en un entorno folklórico: en los festivales y en las danzas del león. Su afinación y la disposición de los agujeros digitales, de igual tamaño y equidistantes unos de otros, guarda relación con la tradición de la zona. Puede tener 6 o 7 agujeros digitales. |
Tipo uta: Es la versión moderna del instrumento, inventada por Hyakunosuke Fukuhara en torno a la primera mitad del siglo XX. Los agujeros digitales son desiguales y no equidistantes. Su afinación se aproxima más al temperamento moderno, lo que le permite no sólo acompañar al shamisen y a los cantos, sino interpretar música occidental. Se utiliza también en la música taiko moderna. |
Es por ello que hay flautas afinadas en distintas tonalidades, desde 1 hon choshi a 12 hon choshi:
En la flauta en Do (8 hon choshi) levantando consecutivamente los dedos de los agujeros obtenemos una escala en Do M (C-D-E-F-G-A-B..).
La shinobue posee un registro de tres octavas: ryo-on, que es la octava baja; kan-on: la octava intermedis; daikan-on, es la octava aguda y la más difícil de obtener. El paso de una octava a la superior, al igual que en las demás flautas, se obtiene modificando la cantidad y velocidad del aire introducido. La digitación de la octava aguda, daikan-on, requiere posiciones diferentes de las dos octavas más graves, ryo-on y kan-on. Los potentes y agudos sonidos de esta octava se dejan oír sobre el poderoso sonido del taiko (11).
La escritura musical para esta flauta consiste en una notación numérica, como se puede observar en las tablas de digitación (1 o -) Los números representan una posición de dedos, no un tono, de tal manera que un instrumentista puede cambiar de instrumento sin necesidad de variar la digitación, al igual que ocurre con la notación occidental y los instrumentos transpositores. Estas flautas suelen ir reforzadas con unas ataduras de ratán, hilo…. que refuerzan el tubo y lo decoran, cumpliendo la misma función que las anillas o virolas de los instrumentos occidentales.
Las partes de la shinobue son: Kanto: El extremo distal de la flauta se llama kan-to. Lleva un símbolo escrito que indica la afinación. Utakuchi: La embocadura, Yubiana: Orificio digital. Puede haber 6 o 7 agujeros. En ambos casos la afinación es la misma Maki: Ataduras hechas de ratán (tou), abedul (kaba), hilo o vinilo. |
La flauta ryuteki es uno de los instrumentos, el principal en cuanto a las flautas, utilizados en el gagaku, la música y danza de la corte imperial japonesa. Su nombre significa flauta dragón. Es de origen chino. Su sonido representa el vuelo del dragón. Se utiliza en el togaku (sabô no gaku y en el samaï, para el acompañamiento del canto) y acompaña la música intrerpretada con el hichiriki. (12) |
Su uso no se restringe exclusivamente a los músicos del gagaku, sino que también ha sido utilizada por las clases altas, al igual que ha ocurrido con algunos instrumetos occidentales. Está fabricada en bambú (13) y mide en torno a los 40 cm. Dispone de siete agujeros digitales y una extensión de 2 octavas aproximadamente.
Está afinada en el diapasón del gagaku, que es A 430 Hz. y su sonido es potente y agudo. Es un instrumento que se utiliza a menudo en el exterior debido, precisamente, a la potencia de su sonido. El orificio de la embocadura es notablemente grande.
El nombre significa literalmente flauta Goryeo (14). Es algo más pequeña (en torno a los 36 cm) que la ryuteki y su sonido más agudo. Se utiliza en el komagaku (whô no gaku y el umai) El origen de la komabue es coreano. Se fabrica habitualmente con un tubo de bambú, reforzado con láminas de corteza de abedul (o ratán), al igual que el resto de las flautas del gagaku. Posee seis agujeros en la cara anterior. Según Akira Tamba, se fija un pequeño trozo de plomo con cera en el extremo situado a la izquierda de la embocadura para equilibrar el peso de la flauta |
El significado literal del nombre es flauta para entretenimiento de los dioses. Se utiliza en los cantos sagrados y en la danza del culto sintoísta Es más grande que la ryuteki, a la que tomamos como referencia de tamaño en este grupo de flautas. La kagurabue mide en torno a los 46 cm. Se utiliza en el kuniburinoutamai (15), incluido en el gagaku. Es un tipo de flauta autóctona de Japón. Es la más grande, y por tanto más grave de las tres flautas empleadas en el gagaku. |
Según Akira Tamba la técnica de interpretacion es común a las tres flautas y al hichiriki. Los orificios digitales se obturan con la segunda falange de los dedos de tal manera que se propicia una apertura gradual del agujero produciendo un sonido con un glissando característico
La función de las tres flautas es eminentemente melódica, No se utilizan nunca de forma simultánea en el gagaku e incluso cuando se usan más de dos flautas idénticas, se interpretan al unísono, sin voces diferenciadas.
La nohkan o fue (Flute) se desarrolla a partir de la ryuteki. Se construye con tiras de bamboo ahumado (susudake) o bambú quemado (yakidake), pegadas para formar un tubo de sección cónica. El ahumado carboniza el bambú y lo preserva. Las tiras de bambú se disponen utilizando la superficie exterior, más dura, como pared interna del tubo y así mejorar la acústica de la flauta (16). Estas tiras se pegan unas a otras, se refuerzan con unas tiras finas y retorcidas de corteza de cerezo (kabamark) y se lacan. El resultado de este proceso es un tubo sin llaves, de entre 38-39 cm con una sección media de 1,7 cm y con 7 agujeros digitales. |
Su uso no se limita al teatro noh sino que también se utiliza en el kabuki, en el yose bayashi (música teatral rakugo), y en el gion bayashi (orquesta del festival de Gion) (19)
Su origen es incierto. A diferencia de otras flautas utilizadas en Japón provenientes del continente, es una flauta relativamente nueva y adaptada a la estética musical que demandan las artes interpretativas japonesas tradicionales. Se dice que fue creada por Kan’ami y su hijo Zeami en el siglo XV, durante la transformación de los estilos dengaku y sarugaku del teatro Noh (20).
Hay quien atribuye la presencia del nodo interno al resultado de la reparación de alguna ryuteki, a la que le insertaron un tubo de refuerzo para unir los dos fragmentos separados. Otras teorías hablan de una construcción calculada para obtener el resultado sonoro característico. Sea como fuere es muy interesante el artículo al respecto (Izumi, 2009) -ver anexos-
En esta flauta cuando aumentamos la velocidad del aire no subimos de octava, como en otras flautas, incluidos los otros tipos de flautas japonesas. Al octavar la nota más grave se produce una nota que es una décima menor más aguda. Otro fenómeno peculiar que se produce en esta flauta es que en las notas siguientes, a medida que subimos en la escala, esa relación interválica va disminuyendo, de tal manera que en la nota más aguda del registro inicial, sobresoplada, se obtiene una sexta mayor.
Tabla de digitación
Minteki (flauta Ming) / seiteki (flauta Qing). Dentro de las flautas japonesas es la única que presenta un agujero suplementario en el que se coloca una fina menbrana (chikushi) de forma similar a la flauta china dizi. De todas formas esta flauta no se conserva practicamente en ninguna tradición japonesa. En un artículo aparecido en Japan Times (Gordenker, 2011) se hace referencia a un tipo de flauta utilizada en Karatsu (prefectura de Saga), al suroeste de Fukuoka. Karatsu fue, al parecer, un importante puerto comercial con Corea y China. Actualmente Karatsu es conocida por dos cosas, su cerámica y el Festival Kunchi (celebración anual, del 2 al 4 de noviembre). La voz “kunchi” funciona como un sufijo, y se refiere a un festival que en sus orígenes tenía lugar el 9º día (“ku no nichi”) del 9º mes del calendario lunar, un día auspicioso. |
En Karatsu, las flautas utilizadas son del tipo yokobue, una amplia categoría de flautas transversales. Yoko = side y bue = fue = flute.
Parece ser que en este lugar se refieren a la flauta como chikushibue. La relacionan con la minteki en cuanto que toma de esta la membrana chikushi pero afirman que la minteki es una flauta antigua que llegó a Japón desde China a principios del siglo XVII. De las clases altas pasó al pueblo que utilizó características de su diseño para incorporarlas a la más antigua shinobue que era la usada como flauta de festivales.
(11) Literalmente “gran tambor”. Efectivamente es un tambor en forma de barril que se toca con baquetas, bachi.
(12) Mencionado anteriormente
(13) Actualmente se fabrican instrumentos de calidad en resina, dedicados al estudio principalmente y más económicos.
(14) Reino de Corea
(15) Kuniburi no utamai: conjunto de canciones y danzas japonesas antiguas, anteriores al gagaku y procedentes de otros países asiáticos.
(16) Algunas versiones modernas utilizan un recubrimiento interno de pintura al temple (sic.) para conseguir esta mejora en el sonido.
(17) Se inserta un tubo para conseguir la restricción del diámetro interno.
(18) El efecto Venturi es un fenómeno físico que consiste en que cuando un fluido en movimiento dentro de un tubo o conductode determinada sección atraviesa una sección menor, inevitablemente este aumenta su velocidad. Al aumentar su velocidad se descubrió que disminuye su presión.
(19) El término hayashi se emplea en Japón para referirse a conjuntos compuestos básicamente de flautas y percusión.
(20) Dengaku: danzas incorporadas al teatro noh en el s. XIV. Sarugaku: forma de teatro popular de los siglos XI a XIV. Originado a partir del sangaku.
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